Minden trende világosabbá válik az idő múlásával. Még a 15 éves művészetet tekintve is „jobban láthatjuk a mintákat” - mondja Melissa Ho, a Hirshhorn Múzeum kurátora asszisztens. "Nagyobb, mélyebb trendek vannak kapcsolatban azzal, hogyan élünk a világban és hogyan éljük meg."
Mi tehát pontosan a modern művészet? A kérdés, mondja, kevésbé felelős, mint a végtelenül vitatható.
Technikailag, mondja Ho, a modern művészet „a modernitás történelmi pillanatának kulturális kifejeződése”. De az állítás kicsomagolásának kérdése vitatott. A modern művészet, vagy bármi más meghatározásának egyik módja annak leírása, hogy mi nem az. A hagyományos akadémiai festészet és szobrászat uralta a 17., 18. és 19. századot. "A tökéletes, zökkenőmentes technikáról és a tökéletes, zökkenőmentes technikáról volt szó a nagyon jól megalapozott tárgy kivitelezéséhez" - mondja Ho. Volt egy műfajok hierarchiája, a történelem festményektől a portrékig, a csendéletekig és a tájig, és a szépség nagyon szigorú fogalmai. "A modernizmus diadalának része az akadémiai értékek megdöntése" - mondja.
A modern művészet a hagyományos tudományos művészet némileg visszalépésével a személyes kifejezésről szól. Noha történelmileg nem mindig volt ez a helyzet, magyarázza Ho: „Most már szinte természetesnek tűnik, hogy a műalkotásokra egyéni látás kifejezéseként gondolsz.” A modernizmus a művészek és a művészet különféle fajtáira terjed ki. De a darabok mögötti értékek nagyjából megegyeznek. "A modern művészetnél ez az új hangsúly kerül az eredetiség és az innovatív cselekvés értékére" - mondja Ho.
Edouard Manet és az impresszionisták modernnak tekinthetők, részben azért, mert a modern élet jeleneteit ábrázolták. Az ipari forradalom embereket vezetett a városokba, és a szabadidő új formái jelentek meg a városi életben. A Hirshhorn galéria belsejében Ho rámutat Thomas Hart Benton Chilmark embereire, egy összefonódott férfiak és nők tömegének festménye, kissé emlékeztetve egy klasszikus Michelangelo-t vagy Théodore Géricault híres Medúza-tutaját, azzal a különbséggel, hogy ez egy kortárs strand jelenet, ihlette a Massachusetts város, ahol Benton nyáron. A közelben lóg a Ringside Seats, George Bellows bokszjátékának festménye, valamint Edward Hopper három festménye, az egyik a színházi művészek First Row Orchestra- ja, amely a függöny húzására vár.
A reneszánsz művészetben a természet utánozása magas díjat kapott. "Akkor, amint ezt elcsíptetik, hagyja, hogy az absztrakció virágozzon" - mondja Ho. A Benton és a Hopperéhoz hasonlóan megfigyelés és találmány kombinációja. A kubisták az 1900-as évek elején elkezdenek térben és formában játszani, oly módon, hogy a hagyományos képi nézetet ábrázolja.
A művészettörténészek gyakran használják az „autonóm” szót a modern művészet leírására. „A népi nyelv„ művészet a művészet kedvéért ”lenne„ magyarázza Ho. „Nem kell, hogy létezzen semmilyen egyéb hasznos érték mellett, kivéve a létezésének saját egzisztenciális okát.” Tehát a modern művészet értékelése más állat. Ahelyett, hogy egy történelemfestményhez hasonlóan a narratíváról kérdezne - ki a főszereplő? És mi a cselekvés? - Egy festmény, mondjuk Piet Mondrian festményének értékelése inkább a kompozícióról szól. "A kompozíció feszültségéről - mondja Ho - egyrészt a szín, a vonal és a térfogat közötti formális egyensúlyról, másrészt a szélsőséges tisztaságáról és szigoráról".
Ho szerint néhányan azt állítják, hogy a modernizmus az absztrakt expresszionizmussal éri el csúcsát Amerikában a második világháború idején. A mozgalom minden művésze megpróbálta kifejezni egyéni zsenit és stílusát, különösen érintéssel. "Tehát kapsz Jackson Pollockot a csepegő és dobott festékkel" - mondja Ho. „Mark Rothkot nagyon fényes, vékonyra festett színes mezőivel kapja meg.” És ellentétben az erősen üvegezett akadémiai festmények láthatatlan ecsetkészítésével, a Willem de Kooning festményei laza és néha vastagak. "Tényleg érezheti, hogy készültek" - mondja Ho.
Nem sokkal a II. Világháború után azonban a művészet mozgatórugói ismét megváltoztak. A posztmodernizmus elhúzódik az eredeti originalitástól, és a munka szándékosan személytelen. "Sok olyan munkát lát, amely mechanikus vagy kvázi-mechanikus eszközöket vagy íróeszközöket használ" - mondja Ho. Andy Warhol például a szitanyomást használja, lényegében eltávolítja a közvetlen érintését, és olyan témákat választ, amelyek a tömegtermelés ötletét játsszák. Míg a modern művészek, például Mark Rothko és Barnett Newman olyan színválasztást tettek, amelyek érzelmileg kapcsolódtak a nézőhöz, addig a posztmodern művészek, mint Robert Rauschenberg, lehetőségeket mutatnak a folyamatra. Rauschenburg, mondta Ho, ismert volt, hogy jelölés nélküli dobozokban vásárol festéket a hardverüzletben.
„A posztmodernizmus az ötlet dekonstrukciójával jár:„ Én vagyok a művészeti zseni, és szükségem van rám ”- mondja Ho. Az olyan művészek, mint a Sol LeWitt és a Lawrence Weiner, amelyek a Hirshhornban alkotott művekkel foglalkoznak, még inkább elkerülik a szerzők szerzői jogát. Weiner darabja egy „GUMÓGALA A TENGEREN, Cat. A 146. sz. Szám ”például a múzeumban nagy, kék, sans-serif betűkkel jelenik meg. Weiner azonban nyitott volt arra, hogy a hét szót bármilyen színben, méretben vagy betűtípusban reprodukálhassa. "Lehetett volna egy jelölőt, és a falra írhatnánk" - mondja Ho. Más szavakkal, Weiner úgy vélte, hogy művészi szerepe inkább a koncepció, mint a termelés kérdése. Hasonlóképpen, néhány LeWitt 1960-as évek végi rajzai alapvetően utasítások alapján készültek. Ő ad utasításokat, de elméletben bárki végrehajthatja azokat. "Ebben a háború utáni generációban ez a tendencia bizonyos szempontból a demokratizálódó művészet felé mutat" - mondja Ho. "Mint a Sol LeWitt rajz, ez a vélemény is képes művészetet készíteni."
Olyan címkék, mint a „modern” és a „posztmodern”, és megpróbálják meghatározni az egyes időszakok kezdő és befejező dátumát, néha irk művészettörténészek és kurátorok. „Mindenféle elméletet hallottam” - mondja Ho. „Azt hiszem, az az igazság, hogy a modernitás nem történt meg egy adott időpontban. Ez a fokozatos átalakulás történt néhány száz év alatt. ”Természetesen a gyakorlati okokból a dátumokat kétszer kell meghatározni a művészettörténeti tanfolyamok tanítása és a múzeumok szervezése során. Ho tapasztalata szerint a modern művészet általában az 1860-as évek körül kezdődik, míg a posztmodern időszak az 1950-es évek végén gyökerezik.
A „kortárs” kifejezés nem kapcsolódik egy történelmi korszakhoz, ahogyan a modern és a posztmodern, hanem inkább egyszerűen „pillanatunk művészetét” írja le. Ezen a ponton azonban az 1970-es évekből származó munkákat gyakran kortársnak tekintik. Ennek elkerülhetetlen problémája az, hogy egyre bővülő kortárs műalkotást eredményez, amelyért a professzorok és kurátorok felelősek. "Csak figyelned kell, hogy ezek a dolgok mennek" - tanácsolja Ho. "Azt hiszem, újraértelmezik őket."
