Ha idén egy Hollandia egyik nagyobb városán átutazott volna, valószínűleg meg is találta volna egy meglepően arca áttört pillantását. A vadszőrű, széles szemű szereplő, aki utcai tábláktól, kirakatokból, folyóiratok borítóitól és csokoládé dobozoknak köszönti Önt, Rembrandt van Rijn (1606-69), a Holland Aranykor mesterfestője. Rembrandt összehasonlíthatatlan művészete mindig is jelentős értékesítési pont volt a holland turizmus számára, ám önarcképe 2006-ban mindenütt jelen volt, mert a hollandok nemzetük leghíresebb művészének 400. születésnapját ünnepelték. Valójában a Rembrandt 400, egy egész éven át tartó nemzeti esemény Beatrix királynő védnöksége alatt, egy világméretű ünnepséget indított el Krakkó és Melbourne között a múzeumok és kulturális intézmények részvételével. A részt vevő amerikai intézmények között a washingtoni Nemzeti Művészeti Galéria található, ahol a „Genius stroke: Rembrandt nyomtatványai és rajzai” 2007. március 18-ig lesznek megtekinthetők.
Mindez a figyelem tükrözi a mûvész iránti tartós elbûvöletünket, akinek munkái ma ugyanolyan mozgalmasak és jelentõsek maradnak, mint négy évszázaddal ezelőtt. Rembrandt nagyra értékeli kifejező technikája és az a képessége miatt, hogy megragadja bármely karakter vagy történet érzelmi szívét. Tárgya a bibliai múlttól kezdve a körülötte lévő emberekig és helyekig terjed, de művészetének központi motívuma - és fő oka annak, hogy munkája a halálát követő évszázadok óta továbbra is beszél hozzánk - az emberi alak, akit érzékenyen mutatnak a a felületi megjelenés mondható hiányosságai és a benne levő szellem turbulenciája.
Nem kétséges, hogy Rembrandt jóváhagyta-e saját megkülönböztető arcának jelenlegi alkalmazását marketing eszközként. Körülbelül 70 önarcképet festett, maratott és rajzolott, több mint korának bármely ismert művészete. Azáltal, hogy arca művészetének középpontjába került, egyedülállóan személyes eszköze volt az önmarketingnek. Jelmezbe öltözve vagy provokatív pózot feltételezve szerepeket játszott, kezdve a koldustól és a tékozló fiától az udvari és a keleti botrányig. Korai éveinek apró nyomatain tükörbe öntött és vázlatot készített az eredményekről, hogy megtanítsa magának az érzelmek ábrázolásának művészetét. Később az életben egy olyan szorosan megfigyelt festményben, mint például a 1659 -es szemölcsök és mindenki -önarckép, szabadon feljegyezte az idő és a tapasztalat jeleit. Ezek a művek egész Európában találtak gyűjteményt, segítve Rembrandtot a 17. század legismertebb holland művészének.
Rembrandt van Rijn 1606. július 15-én született Leidenben, Harmen Gerritszoon van Rijn őrlő és felesége, Neeltgen van Zuytbrouck kilencedik gyermekeként. A család gabona malomot üzemeltetett a Rajna folyón, amely határos volt a városra. Változatosan munkásosztályú emberek voltak, és gyermekeiktől elvárták volna, hogy csatlakozzanak a malomüzlethez, ahogyan Rembrandt több testvére tette, vagy kereskedni kezdtek. Rembrandtnak bizonyítania kellett valami különleges ígéretét, mert szülei beiratkoztak a latin iskolába, ahol megismertették a klasszikus nyelvekkel és irodalommal. Egy ilyen oktatásnak minisztériumhoz vagy közszolgálathoz kellett volna vezetnie, ám Jan Orlers, a 17. századi leiden történész szerint Rembrandt inkább a doodling iránt érdeklődött, mint a tanulás, és szülei, talán engedve az elkerülhetetlennek, hagyták, hogy egy helyi festővel edzjen. majd hat hónaponként elküldte az amszterdami művészhez.
Fél órás vonatútra Amszterdamtól (vagy néhány óra gyalog, lóval vagy hajóval Rembrandt idején), Leident ma az egyeteme uralja, amelyet 1575-ben alapítottak. A XVII. Században a város jólétének nagyrészt az volt, hogy a textilkereskedelem. A De Lakenhal Városi Múzeum egy épületben volt, amely egykor céhcsarnok volt, ahol a ruhaipar kormányzói és asszisztensei tartották üléseiket. 2006-ban számos nagy kiállításra került sor, ideértve a Rembrandt tájainak felmérését is. Míg a kiállítás néhány festménye az otthona közelében fekvő vidéket ábrázolja, mások tiszta fantázia. Például a malomban egy impozáns szélmalom ül egy robusztus szikla tetején, amely kifejezetten eltér Hollandi sík tereptől. Egy másik kiállítás, a „Rembrandt anyja, mítosz vagy valóság” két idős személyre összpontosított, akik Rembrandt legkorábbi munkáiban ismételten megjelennek. A tizenkilencedik századi tudósok, akik vágyakoztak a művész életének romantizálására, gyorsan azonosították őket Rembrandt anyjával és apjával, míg a fiatalabb személyek tanulmányozásakor feltételezték, hogy testvérei képviselik őket. Noha a modern tudósok szkeptikusabbak (nincsenek dokumentumok, amelyek igazolják ezeket az azonosításokat), érdemes azt gondolni, hogy a kezdő művészek számára a családtagok lennének a leginkább elérhető és megfizethető modellek.
A korai Rembrandt-iskola aláírási stílusa, amely az élet pontos megfigyelésén alapul, az egzotikus történelmi öltöztetéssel kombinálva, olyan művekre vezethető vissza, mint Rembrandt Tobit és Anna (1626), szemben, amelyekhez anyja és apja modellezhetett. Ilyen kicsi, aprólékos festményekkel pillantást vet arra, hogy a fiatal művész gondosan kiképezi a szemét, miközben elbűvöli az öregséget, amely karrierje során újra felbukkan.
Mire elérte a húszas éveit, Rembrandt már felkeltette a nemzetközi figyelmet. Míg holland kortársainak többsége helyben adta el munkáit, festményeit és nyomatait nemcsak Hollandiában, hanem Olaszországban, Franciaországban és másutt gyűjtötték. 1630 körül I. Anglia Károly király ajándékba kapott három Rembrandt festményt, köztük egy önarcképet és egy festményt, amelyről azt gondolják, hogy a művész anyja. A szülővárosa által kínált szélesebb lehetőségeket keresve, Rembrandt az 1630-as évek elején átköltözött Amszterdamba, egy körülbelül 125 000 lakosú városba, majd, mint most, Hollandia kulturális és kereskedelmi központjába.
Rembrandt Hollandia egyedülálló Európában: a polgárok által vezetett köztársaság, nem pedig a monarchia, virágzó kereskedelemgazdasággal rendelkezik, amelyben a kemény munka és a vállalkozói készség több mint nemes cím. Olyan hely volt, ahol a vallási sokféleséget tolerálták, és ahol a városi, középosztály íz uralta a kulturális életet. Amszterdam volt az élénk művészeti piac központja, és amint Rembrandt odaérkezett, Hendrick van Uylenburgh-val, a prominens művészeti kereskedővel folytatott üzleti partnerség hozta a művészre néhány első portrék megbízását - egy láb az ajtóban, hogy Amszterdam pártfogoljon. leggazdagabb állampolgárok.
Van Uylenburgh segítségével Rembrandt gyorsan Amszterdam legkeresettebb portristája lett. Az Agatha Bas ragyogó, 1641-ben festett portréja megmutatja miért. A 30 éves Agatha, egy gazdag burgomaszter lánya és van Uylenburgh egyik befektetõjének felesége bátor, ám mégis magabiztos pillantással tekint ránk. Bal kezét egy csiszolt fa bemélyedés nyugszik, míg a jobb oldali elegáns ventilátor előtte esik. Ez egy ablakkeret, vagy maga a kép kerete? Ez az illúzió, a közvetlen póz, az élet méretaránya és a figura mögötti finom fényjáték révén azt az érzést kelti, hogy szembe kell néznünk egy másik élő lélekkel. Nézze meg közelebbről, és a haja, a hímzett test, a szikrázó ékszerek és a csipkével díszített gallér élethű részei rohamokkal és festékvonásokkal oldódnak át, áttetsző színű színes mázokkal, amelyek vastag impasztóra vannak rétegezve. Ez a varázslatos kombináció megkülönbözteti Rembrandtot a sok kortársa által kedvelt simább, polírozottabb technikától.
1634-ben, amikor 28 éves volt, Rembrandt feleségül vette Uylenburgh 21 éves unokatestvérét, Saskia-t. Ő is gyakori modell volt a művész számára, aki olyan festői szerepekbe öntözte, mint például a tavasz istennője Flora. Saskia intim ezüstpontú rajzában, amelyet Rembrandt készített néhány nappal az eljegyzésük után, virággal díszített nap kalapot visel, és szégyenteljesen elmosolyog. A házasság nyolc éve alatt a párnak négy gyermeke volt, de csak egy, Titus, túlélné a csecsemőt. 1642-ben, kevesebb mint egy évvel Titus születése után, Saskia 29 éves korában meghalt, betegség vagy szülés szövődményei miatt. Azt állítja, hogy Rembrandt részesülhet birtokában, feltéve, hogy nem házasodik újra. Viszonya volt Geertje Dircx-szel, a nővér gondozásához bevitt nővérrel, majd néhány évvel később elutasította egy fiatalabb nő, Hendrickje Stoffels miatt, aki szobalányként csatlakozott a háztartáshoz. Dircx perelte az ígéret megszegése miatt, és hosszú és keserű jogi csatát váltott ki.
1654-ben Stoffels-t hívták gyülekezetének vének elé, és azzal vádolták, hogy "Rembrandt festõvel viszonyt él", ám a botrány ellenére maradt vele. A lányuk, Cornelia, később született. Stoffels és Titus egyaránt segítették Rembrandt üzleti tevékenységét (Titus kiskorú művészré és apja ügynökévé nőtte ki magát), és a fiú valószínűleg a művész több hívogató figura-tanulmányának modellje volt, beleértve a Titusot az irodájában, 1655-ben festett. Néhány gyors ütéssel Rembrandt rögzíti a szövet, a haj, a fa és a papír textúráját, valamint egy iskolás fiú álmát, aki inkább bárhol, de az íróasztala mellett lenne. Stoffels szintén pózol: körülbelül 34 éves korában érzékeny portréja a New York-i Metropolitan Museum of Art-ban található.
Rembrandt közel 20 éven át töltötte tágas otthonát az amszterdami Sint Anthonisbreestraat-nál, a munkahelyi hallgatók nyüzsgésével, az ügyfelekkel érkező hívásokkal, valamint festményekkel és nyomatokkal. Tárgygyűjteményt gyűjtött össze, amely nemcsak műalkotásokat tartalmaz, hanem az amazoniai papagáj tollát, velencei üvegárukat, afrikai oroszlánbőröket és más egzotikus kincseket, amelyek közül néhány motívumokat adott a festményeihez. Soha nem volt jó pénzkezelő, nem teljesítette a jelzálogkölcsönöket, és elvesztette a házat, miután 1656-ban csődbe ment. Az akkoriban készített művészeti gyűjtemény leltárából kiderül, hogy érdeklődést mutatott az elődei, például Dürer és Titian munkája iránt., valamint olyan flamand kortársak, mint Rubens és Van Dyck. A Rembrandt ház (magánház 1906-ig, amikor Amszterdam városa vásárolta meg) 1911-ben nyitotta meg múzeumát.
1642-ben Rembrandt elkészítette leghíresebb festményét, a The Night Watch néven ismert hatalmas csoportportrét, amely a polgármesterek társaságát ábrázolta, akik városuk védelme érdekében indultak. (A festmény az amszterdami Rijksmuseum 1845-es telepítése óta vonzza a csillagokat.) Amszterdam 1642-ben valójában békés és virágzó város volt, és a polgárőrség inkább ambiciózus polgárok társadalmi klubjaként szolgált, mint egy igazi katonai erő . Rembrandt elképzelt jelenete a szolgálat iránti büszkeségük szimbolikus bevezetése. A festmény forradalmian újítja az a tény, hogy Rembrandt vette az unalmas figurákat, és élénk cselekvési színhelyré változtatta. Az egyik kortárs azt mondta, hogy más csoportportrék ugyanolyan laposnak tűnnek, mint a kártya. Az évszázadok során az Éjjeli Őrséget szűk helyre vágták, feltekercselték és egy bunkerbe dobták, hogy megvédjék a náciktól, kenyérkésével (1975-ben) vágták, savval permetezték egy elhagyott múzeumi látogató ( 1990) és értelmezték a sörkosáron, a pólón és a modern művészek alkotásaiban. Rembrandt merész találmányának és az őröknek a hazafias szellem ábrázolásának köszönhetően, amelyre a nemzet alapult, soha nem veszítette el holland nemzeti ikonként való státusát.
A holland művészet néhány rajongója számára Rembrandt versenyez van Gogh-tal a kedvenc fiú címe miatt. De ebben az évben még az amszterdami Van Gogh Múzeum házigazdája volt a nagybemutató Rembrandt kiállítása - „Rembrandt-Caravaggio”. Caravaggio olasz mester, aki 1610-ben halt meg, amikor Rembrandt még csak gyerek volt, a legismertebb a bibliai tárgyak kezelésével, amely a természethez igazított, egyenetlen igazsággal bír, amelyet drámai fény erősít. Forradalmi megközelítése olyan nemzetközi mozgalmat váltott ki, amely Rembrandtot (aki soha nem hagyta el Hollandiát) a Rómába utazó holland művészek révén elérte. A 2006-os kiállítás összehasonlította a két mester több kapcsolódó téma kezelését, de nem kell messzire mennünk, hogy bizonyítékot találjunk Rembrandt érdeklődésére Caravaggio ötletei iránt, különös tekintettel a bibliai történetek gondolatára, mint érzelmi drámákra, amelyeket olyan emberek hoztak létre, akik még mindig mélyen emberi.
Mozgó példa Rembrandt későbbi éveiről az ő 1656-os Jákób, aki megáldja József fiait (jobbra lent). Itt látszik Jákob pátriárka, nehéz és szinte vak, ahogy kinyújtja két unokáját. Jákób jobb kezét az öccse, Efraim felé nyújtja, nem pedig az idősebb, Menasse felé. Rembrandt követi a Genesis szövegét, amikor a fiú apját, Józsefot ábrázolja, óvatosan megpróbálva elmozdítani a pátriárka kezét. De az öreg ravasz, prófétai cselekedete: tudja, hogy a fiatalabb fia nagyságának szánt. A fiúk anyja, Asenath csendesen figyeli. Jelenlétét nem említik a megfelelő részben, de a Genesis más néven nevezték el, ahogy Rembrandt egyértelműen tudta. A képbe vonásával a művész hangsúlyozza, hogy ez szívében egy családi válság. (Valószínűleg ő ezt a munkát egy holland család számára festette, és minden tagja bibliai jellegű.) A pillanat végzetes következményei ellenére mindenekelőtt a három generáció mélységes szeretetét és hitét érzékeljük, amely a egy meghitt fénykör. Noha az árnyék erőteljes játékának köszönhetően valami Caravaggio-nak, a vastag, szinte szobrászatú felület, amelyet széles és gyors vonásokkal alkalmaznak, de mégis csodálatosan leíró jellegűek, egyedül Rembrandt - ő a legeredetibb hozzájárulása a technika történeleméhez.
Sok modern néző számára ez a legjobb Rembrandt, ám a saját idején durva festékfelülete, drámai megvilágítása és töprengő, földi karakter egyre inkább elkülönítette őt az uralkodó tendenciáktól. Élete végén az ideális szépség ízét sújtotta Európa, és a holland ínyencek elegáns figurákat és beállításokat, tiszta fényt és kifinomult technikát követeltek. Annak ellenére, hogy megtagadta ennek a stílusnak való megfelelését, Andries Pels drámaíró 1681-ben címkézte Rembrandtot "a művészet történetének első eretnekessé". Pels és a klasszicizmus más támogatói számára Rembrandt kifejező festékkezelése hanyagnak és befejezetlennek tűnt. A 18. századi életrajzos író, Arnold Houbraken szerint Rembrandt ugyanakkor azt állította, hogy "egy munka akkor fejeződik be, amikor a mester elérte szándékát benne." A kritikusok másik célja a meztelen bánásmód volt. Míg a klasszicisták azt állították, hogy a művészeknek törekedniük kell a görög szobrászat hűvös tökéletességére, Rembrandt határozottan feljegyezte alanyának ráncoit és harisnyakötőjeit, kopogott térdét és bölcs haját. Ezért azzal vádolták, hogy nem értette meg az arány és az anatómia szabályait.
Rembrandt nem kevésbé volt a nonkonformista az ügyfelekkel való kapcsolattartás során. A legtöbb művész stúdióiban üdvözölte őket, Rembrandt viszont komor volt. Ha egy leendő vásárló egy festményt túl közelről próbálna megnézni, írja a Houbraken, Rembrandt el fogja dobni őt, figyelmeztetve, hogy "az olajfesték szaga beteg lesz." Egy 1654-es közjegyzői dokumentumban a portugál Diego d'Andrada nevű kereskedő panaszkodott Rembrandtnak, hogy egy megrendelt lány arcképe nem hasonlított rá. Azt akarta, hogy a művész megváltoztassa vagy visszatérítse a befizetését. Rembrandt azt mondta a közjegyzőnek, hogy addig nem érinti a festményt, amíg D'Andrada meg nem fizeti a fennmaradó összeget. Aztán, mondta, aztán beterjeszti azt a festõi céhek igazgatóinak ítélet meghozatala céljából, és csak akkor hajt végre változtatásokat, ha megállapodnak az ügyféllel. Ha D'Andrada még mindig nem lenne elégedett, Rembrandt megtartja a festményt, és árverésen eladja. A betét visszatérítéséről nem volt szó. Az eset megoldásának módja nem ismert, de Rembrandt hozzáállása ugyanolyan kockázatos, mint merész volt. Bizonyára üzletet fizetett neki, ám hosszú távon tartós hatása nagyban köszönhető a kreatív függetlenségének, a "modern" művész jelének.
Mire 1669-ben 63 éves korában elhunyt, Rembrandt festményeket és nyomatokat eladott neves gyűjtőknek egész Európában, tucatnyi diákot képzett, vagyonokat elveszített és elvesztette, és a 17. század legemlékezetesebb munkáinak alkotásait készítette. Míg egyes nézők inkább csodálják az élet és a művészet merész, nem szokásos megközelítését, mások mellett, az emberi helyzetre adott válaszának alapvető hitelessége továbbra is vitathatatlan. Rembrandt Szemében, a művész és a környezetének ékesszóló tanulmányában, Simon Schama kultúrtörténész megjegyzi, hogy Rembrandt számára "a tökéletlenségek az emberiség normája. Ezért fog az évszázadok során mindig azokkal beszélni, akik számára a művészet valami lehet kivéve az ideális formák keresését. "
Stephanie Dickey tanít művészettörténetet a Queen's University-ben, Kingstonban (Ontario), és három könyv szerzője a Rembrandtról.
