A nagy előrejelzések időt vehetnek igénybe, hogy valóra váljanak. Amikor David Hockney, a munkásosztályú Yorkshire fiú, 16 éves korában elhagyta a Bradford-iskolát, hogy művészeti iskolába járjon, angol tanára és formamestere így értékelte őt: "Kétségtelen képességei vannak a művészetben, különösen a rajzfilmekben és a jelírásban Noha alapvetően komoly gondolkodású fiú, a harmadik formájának napjaitól kezdve engedte meg formai társainak, hogy szinte legendás mulatság alakjává váljanak. Csak az elmúlt évben mutatta meg komoly oldalát, de élveztük a társaságát. " Az igazgató kedves figyelmeztetést fűzött hozzá: "Üdvözlettel kívánok neki az új kezdéskor. Örülni fog, hogy megszabadul a" móka alakjától ", és állandó munkával és érdemeivel őszinte és komoly emberré válhat."
kapcsolodo tartalom
- Miért van David Hockney-val szerelmi-gyűlöleti kapcsolat a technológiával?
Fél évszázad óta a bradfordi fiú, amint azt még mindig gyakran nevezi magának, keményen nehéz. Most 69 éves, és a kitüntetések felhalmozódtak. Az új munka folyamatosan megjelenik a kereskedelmi galériákban, valamint olyan intézményi extravagánokban, mint a 2004. évi Whitney biennálé, New York City és a Royal Academy of Arts nyári kiállítása ugyanazon évben, London.
"Hockney annyira híres, annyira népszerű, olyan nagy beszélő és karakter, hogy könnyű művészként magától értetődőnek tekinteni" - mondta Jonathan Jones, a The Guardian művészkritikája . "Ha kritikus vagy, kísértésnek ad neki basszusgitárt. De Hockney jelentős modern festő. Egyedül a 20. századi brit művészek közül néhányat képvisel, aki bármit hozzáadott a világ képzeletének képbankjához."
A nagy retrospektív esemény alkalom, és ilyen dolog van előttünk. A "David Hockney Portrék" - mintegy 150 festményt, rajzot, maratást, fényképészeti kollázst és akvarelleket tartalmaz - a több mint 50 éves munkát foglalja magában. Ábécé szerint a show katalógusában szereplő találkozók listája WH Auden költőtől (akit Hockney emlékszik morcosnak) egészen Karen Wright-ig, a Modern Painters magazin szerkesztőjéhez, főleg olyan emberek útján, akikről csak a közvetlen körük hallhatott. A kiállítás februárjában debütált a Bostoni Szépművészeti Múzeumban, és szeptember 4-ig látható a Los Angeles-i Megyei Művészeti Múzeumban. Los Angeles az egyik város, amelyhez Hockney kötődik a legközelebb; a másik London, ahol a túra a Nemzeti Portré Galériában zárul le (2006. október 12. és 2007. január 21.).
"Ebben a műsorban nincsenek elbűvölő emberek" - mondta Hockney Bostonban. A nyugati művészet története két alaptípust hozott létre a portrét. Egyrészről bérelhető professzionális kefe, aki a gazdagokra és hatalmasokra szakosodik: mondjuk Hans Holbein a fiatalabb, vagy Frans Hals, Sir Anthony Van Dyck vagy John Singer Sargent. Aztán ott vannak az emberi természet szokatlan tanulói: Albrecht Dürer, Michelangelo, Rembrandt van Rijn, Vincent van Gogh. Hockney egyenesen az utóbbi táborba helyezi magát: a művészet szerelmeseként. Azok a megbízások, amelyeket az évtizedek során elfogadott, alig elég ahhoz, hogy az egyik kéz ujjaira számítsanak.
2005 tavaszától kezdve Hockney-t egy nagyon eltérő projektbe merítették: szülővárosának Yorkshire tájait a négy évszak során. "Portrék a fákról!" - dörmögte. Bár javaslatokat tett a jelenlegi bemutatóra, a képeket nem választotta. "Általában unalmas lehet egy művész portrékának bemutatása" - mondja. "A festményeknek érdekesnek kell lenniük, mint festményeknek. Ezért nem gondoltam volna erre. Soha nem gondoltam magam portrétistának. De aztán azt hittem: állandóan portrákat készítettem." A festményeknek a teljes bírósági sajtóban való találkozása újszerű alkalom számukra, mint minden látogató számára.
Nem elégedetlen, és nem is kell a látogató számára, hogy a portré meghatározását néha meghosszabbították a törésponton. Az "A Rake előrehaladása" (1961-63) homályosan önéletrajzi sorozata - a Amerika első benyomásainak 16 szatirikus maratása során, melyet a 18. századi nyomdász, William Hogarth ihlette - valamilyen értelemben véve portrét képez? Nem igazán, csak egy meztelen meztelen ház teljes hátulnézeteként. Ennek ellenére Hockney munkájának vannak bizonyos aspektusai: a tájak (Grand Canyon, a Hollywood Hills), egzotikus helyszínek (Japán, az Alhambra formális kertjei), a színház (Mozart, Wagner, Stravinsky, Ravel operatív produkcióinak remekesei). - még a legszélesebb szélességű kurátorokat is ki kellett volna zárni. Nem számít. "A művészet tárgya az emberi agyag" - írta WH Auden hosszú "Levélben Lord Byronnak". Hockney imádja a bekezdést, és gyakran idézi: "Számomra a művészet témája az emberi agyag, / És a táj, de a törzs háttere; / Minden Cézanne almát, amelyet odaadnék. / Egy kis Goya vagy Daumier számára." A portrék - az emberek - egyedülállóan alkalmas lencsét mutatnak Hockney életművének fókuszba állításához. Valójában ügyes érzés volt újra feldolgozni Hockney 1963. évi első szóló-showjának címét: "Képek az emberekkel".
A bostoni megnyitó csillogó ügy volt, táplálóan tálalva, szabadon folyó pezsgővel és nyitott bárral. Két óceánból barátok, álló ülők és gyűjtők repültek be. A portréknak ugyanazon a galériában való látása, ahogyan sok élő eredeti eredeti volt, világít. "A művészet látásra késztet!" Hockney emlékeztet az 1995-ös Chicagói időre, amikor a nagy Monet retrospektíva kinyitotta a szemét a Michigan Avenue-i bokrokkal, „a levél árnyékának szépségével”. Bostonban ez a megjegyzés új rezonanciát vett fel. A dohányzó sátra átadott kiállításon (a művész egy militáns dohányos) további lehetősége nyílt néhány tárgyának tanulmányozására: kiáltotta a kifejezés spontán játék - a visszatért pillant és a pillant elhajlott, a göndör ajka vagy a felszálló szemöldök. egy nagy vázlatművész gyors, pontos kezéért. Sajnos az óra embere nem dolgozott azon az éjszakán.
Hockney a kapacitással megtöltött előadóteremben a mikrofonhoz hívta, végül pedig rövid volt. - Volt még egy vagy két nagy kiállításam - kezdte szégyenlősen sugárzóan (vagy ez elpirult?). "Soha nem történt volna meg, hogy portrékat készítsek. Nem tudom, mit mondjak. Köszönöm mindenkinek." Tweedies ruhája és építése, amely egy élettartama alatt lehajolt a festőállvány mögött, egy blöffre emlékeztette a szabadban fekvő országgömböt. Táncoló szemek és szenvedélyes mosoly elvetette az éveit. Beszéde nem lehetett volna 60 másodpercig tartó, de mély örömének ragyogása ékesszólást adott neki.
Összességében Hockney tetszett neki, amit látott. Másnap reggel újabb privát pillantást keresve, és jóváhagyó bólintást adott az első ritka megrendelésre kerülő portrékának: a bajba jutott Sir David Webster, a Covent Garden királyi Operaház főigazgatójának nyugdíjba vonulásáról, 1971-ben festett. üres fal, Sir David látható a profilban, mint egy fáradt sas a Marcel Breuer szék héjától. A korall-rózsaszín tulipánok váza - Hockney kedvenc virágja - alacsony üvegedénybe helyezve egy üveg dohányzóasztalra hűvös formai egyensúlyba hozza a kompozíciót.
A művész 2005-től kétségesebbnek látszott a Fotós és Lánya vonatkozásában, Jim McHugh-ot, egy elismert Los Angeles-i szakember és tizenéves lánya, Chloe-t ábrázolja. Provokatív kezét a csípőn, Chloe felpillant a vászonra, miközben az apja a székre nézi, és az állát dörzsöli. (Néhány néző emlékeztetett Balthus, a francia-lengyel antimodernista nyugtalanító erotikájára.) Az előző este, rózsaszínűen, Chloe a festészet mellett állva és ugyanazt a pózot feltalálva beillesztette a hírcsapatot. De a vászon egészében poros blues tanulmány, amelyről Hockney most azt gondolja, hogy túl száraznak tűnhet. Ezt az olaj-pigment előnyben részesített aránya magyarázza. "Nem használok sok olajat" - jegyzi meg. "Azonnal elhagytam Los Angeles-t, miután befejeztem ezt. Egyébként lakkoztam volna. Egyébként a sötétek is gazdagabbá válnak." Nyal egy ujját, és Chloe egyik kék szeme fölé viszi, és a kurátort botrányossá teszi. "Lásd a különbséget?" Igen, egy-két másodpercig. Ezután a nyoma elpárolog.
Az évtizedek folyamán Hockney olyan élő művészvé vált, aki leginkább megérdemli az Old Master címet: Giotto, Jan van Eyck, Leonardo, Caravaggio, Velázquez, Rembrandt, Vermeer és Ingres lelkes tanulója. Fő elődei a modernisták között van Gogh és mindenekelőtt Picasso, akinek a 30 plusz kötetű katalógusa a raisonné a díjazás. Hockney sajnálatos módon ő és Picasso soha nem találkoztak. De a spanyol 1973-os halála után Hockney megismerkedett és együtt dolgozott Aldo Crommelynck-szel, a Picasso nyomtatójával egy negyed századig, és Crommelynck azt mondta Hockney-nek, hogy biztos benne, hogy "Pablo" szerette volna őt. Hockney 1973-74-ben posztumusszív tiszteletet nyújtott Picasso-nak maratóművészével és modelljével - szemléltetve magát (meztelen) és az idősebb festőt (aláírva a tengerész ruháját), szembenézve az asztallal szemben.
A Művész és Modellben ábrázolt Hockney komolyan figyelmesnek tűnik, de a kép kecses és szellemes is. A Bradford Gimnáziumból származó szórakoztató figura eltűnt valaha? Peter Schlesinger, a fiatal kaliforniai Adonis, aki 1966-ban belépett a Hockney rajzosztályába az UCLA-ban, és múzeumává és szeretőjévé vált a következő öt évre, egyszer a következő képet írta le a művészről: "Fehérített szőke volt; paradicsomot viselt. - piros öltöny, egy zöld-fehér pöttyös nyakkendő megfelelő kalapban és kerek fekete rajzfilm szemüveg. "
A művész életének a kiállításon található portrék révén történő újbóli megtekintése arra késztetheti a nézőket, hogy visszafordítsák az órát, hogy láthassák őt olyan volt, mint ő; a filmeknek köszönhetően A fehérített szőke - aromás, rozsdamentes, tompa, orrát a vászonra vető Rodinesque - minden szárazföldi dicsőségére a néző, a rendező és a forgatókönyvíró, Jack Hazan furcsa, egyszer botrányos filmjében, A nagyobb splash című filmben kerül először megjelenésre. 1975-ben. A dokumentum- és spekulatív fikció zökkenőmentes keverékében - részben Proustban, részben Warholban - a film nyomon követi Hockney Schlesinger-romantika lassú halálát. A film elkészítésekor Hockney csak egy fiú volt, aki csodálkozik a művészeti jelenetben; a teljes médiasztár közelében nem volt semmi, aki lett. De jó példányt készített. Mint ábrás festő, aki az absztrakció korában jelent meg, az excentrikus vonzereje volt. Egy Carol Channing / falu-idióta fodrászban, nem megfelelő zoknit viselve, és egy hangulatos vonást vágva azon, amit az idő Swinging Londonnak nevezte, inkább bohócnak, vagyis leginkább szomorúnak tűnt.
A néző azonban Hazan narratívájának folyamán már láthatja azokat a Hockney-kat, amelyek manapság a 20. századi művészet ikonjaiivá váltak: a kaliforniai felhőtlen égbolt, a pálmafák (göndör vagy orsós) és ó, azok az uszodák látványa. Közvetlenül közvetlenül a jelen kiállításon látható kiemelkedő festmények pillantásait láthatjuk: például Beverly Hills háziasszony (1966), amely Betty Freeman-t ábrázolja, akit talán pontosabban azonosíthatnak fotósként és az új zene védőszentjeként. Hasonlóan jelen: Henry Geldzahler és Christopher Scott, 1969-től. A Hockney korai és hatalmas bajnoka, Geldzahler New York-ban befolyásos kulturális pozíciókat töltött be (beleértve a 20. századi művészet kurátorait a Metropolitan Art Museumban) haláláig 1994. Nem volt jóképű, de jelen volt. A kettős portréban egy rózsaszínű Art Deco kanapé közepét imperializálja, amely homályosan emlékeztet egy nyitott kagylóra. Hordozható vázát három darabból álló öltönybe és nyakkendőbe öltözve, levonva a kabátot. A bőr jobb lábán látszik a zokni felett. Az ajkak megváltak, ülő, ítélőképességűek és távoliak. Egyenesen a perem nélküli szemüveg mögül bámul, kihúzva élettársát, Scottot, aki jobb oldalán áll a profiljában egy övtáska alatt. Hazan filmjében Geldzahler látja szemüvegét, amint Hockney festette őket. A jelenlegi műsor látogatói megérdemelik időt. A lencsék csúcspontjai és a részletek tükröződése a szobában a korai flamand festők hihetetlen tisztaságát idézik elő.
A jelenet formálissága és mozdulatlansága rávilágított néhány kritikára az utóbbi napi reneszánsz visszajelentésről. Az Old Master utalások, mint ez, Hockney művészetéről folytatott megbeszélések során mindenütt megjelennek. Barbara Shapiro, a jelenlegi társ-kurátor (a londoni Nemzeti Portré Galéria Sarah Howgate-vel) számára ez tökéletes értelme. " Titkos tudás könyvének köszönhetően az emberek tudják, hogy Dávidot érdekli az öreg mesterek optikai technikái" - mondja. "De nem feltétlenül kapja meg azt, hogy mennyire szereti a festményeket mint képeket, az általuk létrehozott helyekért és az általuk elmondott történetekért, valamint azért, ahogyan az embereket életre kelti régen és távolról. Több, mint más kortárs művészek, a múlt művészeinek kiállításaira jár, annak teljes izgalma érdekében. Minden alkalommal, amikor meglátogatom a házát, művészeti könyveket és katalógusokat mutat nekem. Gyűjteménye csodálatos. Izgalmas beszélni vele arról, hogy mit néz. "
Hockney bemerülése a múlt művészetébe akkor is nyilvánvaló, ha egyetlen arcát ábrázolja. 1989-ben újra festette Geldzahlert - most már havas szakállal - kötött sapkában és kockás vadászkabátban, amely az egész világot keresné, mint egy titán dudát. Vagy készítsen kettős portrét, Mr. és Mrs. Clarknak és Percynek, akik a londoni divatfestmény művészeinek barátai és magukat ábrázolják. Mrs. Clark - nee Celia Birtwell - puha és ártatlan, mélybíbor bársonyos padlószőnyegben, a félig redőnyös francia ablak egyik oldalán. Mr. Ossie Clark, mezítláb, pulóverben, cigaretta a kezében, visszahúzódik a nád hátsó fémszékébe, feszült és őrzött. Clark úr ölében egy hófehér macska hátat nyújt a nézőnek. A portrét - képzeletbeli módon - hasonlították a Van Eyck remekművéhez, az Arnolfini esküvőhöz, egy festményhez, amelyet Hockney megvizsgált a Titkos tudás című könyvében.
Mégis: az öreg mester köpenye. Számít-e olyan művészeket ilyen könnyűnek adni egy művész? A hosszú karrierje során kulcsszerepet játszik a kíváncsiság és a joie de vivre, valamint egy bizonyos hajlandóság, hogy szíve a hüvelyén legyen. Matisse-hez hasonlóan ő is a jó érzésű paletta szimfonistája. A férfi bőr őszinte elismerése, különösen a medencékben és zuhanyzókban, megnyitotta őt a dekadencia és a könnyedség beszámolására. "Hasznos emlékeztetni - írta az Time -, hogy Hockney tartós hozzájárulása a meztelenség történetéhez - ezt értjük - a tan vonal". Emellett a műszaki kísérletezés kérdése is. Itt beszélünk a polaroidokról, videóképekről, fénymásolatokról, faxról és egy merész hátraugrással a nehézkes kamera lucidáról.
Abban az időben ezek az indulások eltérőnek, félrevezetőnek vagy egyszerűen ostobanak tűnhetnek. A "David Hockney Portrék" panorámát kínál a műről szinte bármilyen médiumban, amely tetszik, és az ítélet visszatekintve nagyon eltérőnek tűnik. Ahogy a bostoni telepítés falcímkéje kijelentette: "Hockney nem fél a változástól". Elég igaz, ha a technikáról van szó. A technika változásai azonban következetes célt szolgáltak: egyre közelebb kerülnek az intimiták köréhez, akik állandó pillantásának tárgyai.
Természetesen az egyik előnye befolyásolja a nézetet. Mélységesen. A perspektíva - amint Hockney egy új ismerősnek elmagyarázta egy vacsorán - élet és halál kérdése. A reneszánszban kodifikált egypontos perspektíva, egy kis illusztrációval demonstrálva, egy halott nézet, egy mechanikus nézet, egy mozdulatlan, nem pislogó szem nézete. Röviden: a kamera szeme. De az emberi szem nem látja ilyet. Folyamatosan mozgásban van, még akkor is, ha állunk. Egy eltűnési pont helyett számtalan számú eltűnési ponttal is rendelkeznie kell. "3D-s lények vagyunk" - mondja Hockney. A művész feladata, amint azt elképzelte, hogy a látás cselekedetét megragadja, ahogy azt két dimenzió határain tapasztaljuk meg.
Így például a Polaroids kísérleti kollázsokat, pillanatfelvételeket és videofilmeket készített, amelyeket Hockney az 1980-as évek elején kezdte el készíteni, és „asztalosoknak” hívta őket. A folyamat sokat tanított neki a mozgásérzet és a térérzet megteremtéséről, valamint arról, hogy a kiterjesztett időtartamot egyetlen képet képezzék össze. Azt mondták, hogy a fényképképeket átfedő technikával és az időben elkerülhetetlen enyhe folytonosságokkal Hockney megtanította a kamerát rajzolni. Így továbbtette azt, amit ért, és amely Picasso kubista napirendje. A lényeg nem annyira, hogy egy tárgy mindkét oldalát egyszerre jelenítse meg, hanem inkább az, hogy sokkal közelebb kerüljön ahhoz, hogy közelebbről vizsgálja meg. Ehhez időre van szükség, ezért lehet, hogy Hockney olyan ritkán mutat be drámai fellépés közben befagyott értékeket. Fogj egy mozdulatot, és kapsz egy pózot: valami közömbös, halott, csak a kamera számára alkalmas. A Hockney-festmény csendje bizonyos értelemben a nem látott mozgás összegzése: a test mozgásai, a gondolatmozgások, amelyek átfogják, ahogy egy pillanatkép nem képezi időtávokat, egy pont helyett.
Ez a minőség az, amelyet más művészek munkájában is vár. Maga Hockney számos művész portréként ült, kezdve Warholtól a brit művész Lucian Freudig. A szigorú Freudnak sajnálkozás nélkül jelent meg egy 120 órás maratont. "Látja a rétegeket" - mondja. Valójában a fáradt szemű portré olyan fájdalmakat és homályokat derít fel, amelyeket nem mindig érdekel a társaságában bemutatni. Nem mintha Hockney nem látná őket. Itt vannak az elmúlt két évtized önarcképének válogatása nélkül. Ami az önarcképekkel különbözik, az a tükörre rögzített Hockney tekintetének heves minősége.
Bármilyen közegben is Hockney-t vezérli, az a keresés cselekedete. Arcai, amelyeket úgy döntött, hogy ránéz, barátainak, szerelmeseinek és háztartásának más tagjaiinak, köztük háziállatoknak. - Ó, a kutyáját fested - kiáltott fel egyszer egy barátja meglepetten, amikor bement a Hockney stúdiójába, hogy a festőállványon festményt találjon tacskójának, Stanley-nek.
"Nem" - jött a válasz. "A kutyám iránti szeretetomat festem."
És rokonok: Hockney apja, Kenneth, a könyvelő tisztviselője a független politikai meggyőződésekről és a kifinomult szabotázs szokásokról; édesanyja, Laura, metodista és szigorú vegetáriánus, töprengő és vékony; húga, Margaret; testvére, Paul. A szülők arcait tanulmányozva felmerül, hogy David örökölte Kenneth arcát és Laura szemét. De a családi hasonlóságok nem találhatók meg; néhány lépés után meggondolom magam. "Ha nem ismeri az embert - mondta Hockney -, akkor tényleg nem tudja, van-e egyáltalán hasonlóságod."
Kenneth, amint ez történik, volt az első olyan festmény tárgya, amelyet Hockney valaha eladott: Apám portréja (1955), amely szintén az egyik első olajja volt. Felismerhetően Hockney, mégis feszült és alig prófétai feketék és barnák morózus tónusában. Eredetileg az 1950-es évek közepén mutatták be a Leeds-ben, kétévente megrendezésre kerülő Yorkshire művészkiállításon, elsősorban a helyi művészeti tanárok számára. Hockney nem árult rá. Úgy gondolta, senki sem fogja megvenni. Ennek ellenére a szombati délutáni ingyenes teával és szendvicsekkel megnyitott esemény "nagyszerű esemény, hatalmas esemény" volt. (Késő tizenéves korában volt.) Képzelje el a csodálkozását, amikor egy idegen tíz fontot ajánlott fel neki. Mivel apja megvette a nyers vászonot ("Én csak megtettem rajta a rajtuk levő jeleket"), Hockney először vele akarta törölni az eladást. Kenneth azt mondta, hogy vigye el a pénzt ("Meg tudsz csinálni még egy").
De van még a történetnél. Hockney père nemcsak megvette a vászonot, hanem felállított egy festőállványt is, egy széket, amellyel ült, és tükrözi a fiának fejlődését. Folyamatosan biciklizett, elsősorban a sáros színekről panaszkodva. Hockney beszélt: "Ó, nem, tévedsz, így kell tenned, így festenek a művészeti iskolában."
Ez a lelkes vita olyan mintát adott, amelyet Hockney továbbra is követ, amikor az alkalom indokolja. Még most is időről időre állít vissza tükröket ülői számára. A 2005-ben festett Charlie Sitting ennek a folyamatnak a eredménye. Költői és utaló jellegű, a mű úgy tűnik, hogy a viktoriánus ballada "A labda után" balra mutató nemek szerinti fordított neme. Szmokingba öltözve a téma - Charlie Scheips, egy szabadúszó kurátor és egykori Hockney asszisztens - egy székben, nyakkendő nélkül, a pezsgő fuvola a kezében, egy távoli pillantása elfordult szemében.
Valójában Scheips mondta a bostoni megnyitón, hogy a szívfájdalom tiszta illúzió. Scheips Hockney kérésére egy reggel kora reggel feltette a hat utáni finomságát, majd átvette a pozíciót. Tudta, hogy modellje érdekli a munkáját, Hockney felállította a tükröt, amelyre Scheips szeme rögzült. Ugyanebben az évben egy másik festmény, az önarckép Charlie -val ábrázolja Scheips-et mint kettős szerepet mint modellt és szemléltetõt, egy oldalsó asztalon ülve, őszintén szólva Hockney láthatatlan vászonja a vászon belsejében.
Hockney nem bánja, hogy figyelik. Éppen ellenkezőleg: ez az, amiben él: "" Csak keresem ", mondják az emberek." Csak keresek! " A nézés nehéz. A legtöbb ember nem. "
Matthew Gurewitsch a művészetről és kultúráról ír olyan publikációk számára, mint a New York Times és a Wall Street Journal .
