A festészet halálát először a 19. század közepén jósolták meg, amikor a fényképezés megjelenése a valóságnak tűnt a festő kezéből. "Ha a fényképezésnek lehetővé teszi, hogy bizonyos funkciói mellett álljon a művészet mellett, - írta Charles Baudelaire 1859-ben a francia költő és művészkritikus -, akkor hamarosan teljesen elhagyja vagy megrontja azt." A művészek azóta próbálják megérteni a fotózás következményeit.
Az olyan impresszionisták, mint a Monet és a Renoir, amelyek elutasították a fényképek statikus, mechanikus képeit, valamint a koruk elavult akadémiai festményét, saját benyomásaikat festették arra, hogy a szem hogyan érzékeli a fényt és a hangulatot a természetben. Néhány kortársuk, köztük Degas és Toulouse-Lautrec, másképp foglalkoztak. Elkezdenek fényképeket használni inspirációra - például képeiket körülvágják, mint például a kamera, és a kamera lencséje alapján bevezetik a perspektíva torzulásait.
Aztán száz évvel ezelőtt Matisse és Picasso készítették a radikális festményeket, amelyek meghatározzák a modern művészet új korszakát. Matisse elrontotta a figurát duzzadó Kék Meztelenségével 1907-ben, és fotóról festett, hogy felszabadítsa képzeletét és megszabadítsa az életből való rajzból kialakult szokásait. Picasso fényképei segítségével festette 1907-es Les Demoiselles d'Avignon festményét is, mindegyik ábra többszörös expozíciónak tűnt, különböző szögekből egyidejűleg látva - döntő lépés a kubizmusban.
A 20. század előrehaladtával olyan festők, mint Wassily Kandinsky és Jackson Pollock, elhagyták a művészet mint reprezentáció fogalmát, és olyan vászonokat készítettek, amelyek egyáltalán nem tartalmaznak felismerhető tárgyakat. "Absztrakt" munkáikban maga a festék lett tárgya. Az 1960-as évekre a koncepcionális művészek - Marcel Duchamp és az 1920-as évek más dadaistái által inspirálva - elfogadták azt a nézetet, hogy a művészetnek az elmére és nem a szemre kell irányulnia, és olyan festményekkel kell kinéznie, amelyekben a mű mögött álló ötlet fontosabb, mint maga a mű. . Néhány nyilvánvaló kivételtől eltekintve - a Pop Art, a Photo Realism és az olyan művészek, mint David Hockney - a reprezentációs vagy figurális művészetet a XX. Század végére nagyrészt a múltévé tették. Az utóbbi években azonban számos kortárs festő kezdett visszajutni a modern művészet gyökerébe, hogy új kifejezési módszereket találjon. Összekeverik az emberi alakot és más felismerhető formákat az absztrakció és a kétértelmű narratíva elemeivel olyan módon, amelyet még nem láttak.
"Jelenleg óriási az izgalom a szakmám körül" - mondja Joachim Pissarro, a New York-i Modern Művészeti Múzeum festészet és rajz kurátora. "Harminc évvel ezelőtt beszélték a festés befejezéséről. Ma senkit sem érdekel ez." A fiatal generáció számára azt mondja: "Az absztrakció és a reprezentáció közötti polarizáció, amely a 20. század utolsó felében létezett, csak értelmetlen. Amit most látunk, nagyon érdekes. És teljesen új".
Brooklyn és Trinidad között Leipzigig (Németország) szétszórva, az ezeken az oldalakon képviselt művészek megújítják "a festészet iránti hitet" - mondja Laura Hoptman, a New York City Kortárs Művészeti Múzeum vezető kurátora.
Peter Doig
"Amikor az emberek az 1980-as évek végén elkezdtek érdeklődni a munkám iránt, a festészet teljesen kimaradt a napirendről" - mondja Peter Doig, a Trinidadban élő 49 éves skót. "Amit a galériák élvonalbelinak tartottak, az egész fogalmi volt - a festészet a festészetről, a művészet, amely valamit mondott arról, hogy miként készül. A szándékosan ennek ellen dolgoztam. Számomra, amikor festő vagy, állandóan arra kényszerül, hogy a világ mint a festészet potenciális tárgya. És az abból indul ki, hogy valamit az utcán látunk, valamit egy filmben, egy magazinban látunk, mindent valóban. "
Trinidad fővárosában, Spanyolország kikötőjében, egy felújított rum lepárlóüzemben Doig stúdiója tele van nagy vászonokkal, amelyek ábrázolják a dzsungelszerű tájakat, a festékkel festett folyókat és a kétértelmű alakokat. Amikor elhagyta Londonát, hogy 2003-ban Trinidadba költözjön, sok barátja „Gauguin csinálását” hívta, miután a francia művész, Paul Gauguin, aki 1891-ben Tahitire költözött, hogy egységes legyen a természettel. Doig stílusát néha összehasonlítják Gauguin stílusával, ám a festészethez való hozzáállása meglehetősen más. Módszere egyfajta információfeldolgozáson alapul, amely gyakran egy fényképpel kezdődik, mondja, mert a fényképektől való festészet távol tartja őt attól, ami valódi vagy igaz. "Miért kell egy festménynek igaznak lennie?" kérdezi.
Doig számos képet készített egy régi képeslapból, amelyet egy londoni hulladékboltban vásárolt, amely Indiában egy folyami jelenetet ábrázol. "Amikor közvetlenül a természetből festek, " mondja. "Túl elragadtam az erőfeszítéseimről. A fényképezés, vagy egy képeslap használata lehetővé teszi, hogy csak azt elvégezzem, amit akarok, és a többit kihagyom. Készítettem egy fényképet. A képeslap egy apró guruját, és készített egy újabb képet erről, aztán elfújtam, így elmosódott folttá vált, és azt festettem, és ő egyfajta szakállas ember lett, valami titokzatos és fekete. Nem tudom, hogy vallásos vagy fanatikus - e, de valamiféle lelkiismert van benne. "
Rámutat egy vázlatos alakzat 9 x 12 láb méretű vászonjára, amely felmászik egy pálmafára, átölelte a csomagtartót, és kinyújtotta az ecsetvonások, csöpögések és repedések absztrakt üregét. "Ezek a csöpögések és repedések a fajta gyönyörű dolgok, amelyek egyediek" - mondja. "Te megteszel esélyeket, és nekik is nektek adsz, de utálnám őket, hogy mandarinn vagy trükkré váljanak." Az alak azonban a legjobban sújtotta a SITE Santa Fe rendezőt, Laura Heont, amikor a képet a múzeum 2006. évi biennáléján mutatták be. "Bizonyos értelemben ez visszatérés a humanizmushoz" - mondja. "Van valami nagyon nagylelkű, ha képet készítünk egy emberi lényről."
Doig munkájának egyik retrospektív vetülete februárban a Londonban, a Tate Modern-ban nyílik meg.
Dana Schutz
Dana Schutz festményein a hamis és az igazi nehéz megkülönböztetni egymástól. "Tudom, hogy képeim felépítésre kerülnek, de festésemben hiszek bennük" - mondja a stúdiójában, egy régi ipari épületben, amely a művészek co-opjává vált Brooklynban. A 30 éves Schutz szereti figurákat készíteni, és különféle forgatókönyvekbe fektetni őket egy festménysorozatban, ahol látszólag saját életüket veszik igénybe. Az egyik ilyen sorozat olyan figurákból áll, amelyeket "önellátónak" hív - egy olyan ember formájának, akit lecsupaszítanak, akik túlélik testének részeire táplálkozva, majd rekonstruálva magukat. A festményeket fantasztikus képeikkel és az úgynevezett "extrovertált színeknek" - rózsaszínű és vörös, elektromos bíborvörös és dzsungelzöldekkel - új expresszionizmusként dicsérték, és könnyű értelmezni őket társadalmi betegségek szempontjából. anorexiás modellek a hírhedt fogyasztósságra - vagy akár a művész pszichéjében is. De Schutz nem ért egyet.
"Nem vagyok expresszionista" - tiltakozik. "Ezek a festmények nem rólam szólnak, hogy kifejezzék, mennyire érzem magam." Az önfogyasztók, mondja: "képi megoldás; szétválaszthatják és újra összerakhatják őket. Ez olyan, mintha csak anyagig válnának."
Schutz azonban azt mondja, hogy festményeit néha ihlette az, amit az interneten lát, vagy amire gondol. "Azt akarom, hogy ezek a festmények valahol a nyilvánosság képzeletében kezdődjenek, ahol az emberek úgy érzik, hogy megismerhetik ezt a történetet, mint például a plasztikai sebészet vagy a termelés-fogyasztás, vagy az, ahogyan alternatív történeteket készítünk saját magunk számára" - mondja. "Egyre inkább úgy érzem, hogy a leg radikálisabb dolog, amit a művészet megtehet, az, hogy valaki élményt nyújtson valaki számára, aki úgy érzi, hogy valamilyen módon ismeretlen.
Schutz számára nincs szoros vonal az absztrakt és a figurális festészet között. "Nem gondolom, hogy valami különálló lenne." Egy vezetõ férfi és nő egyik új festményében az autó figurái szinte plasztikussá válnak, mintha egy forró hawaii tájban olvadnának. "Ahogy gondolok rájuk" - mondja -, az az, hogy ha a jövőbe nézzen ránk, milyen tulajdonságok maradjanak kissé torzítva vagy általánosítva?
"Lehet, hogy átdolgozzuk a figurát" - folytatja. "A festészetről készített festmények készítése őrültnek hangzik. Mindez a festékről szól. Azt hiszem, a művészek most már értelmet akarnak szerezni és hatást gyakorolni. Nagyon különbözik a 20. századtól."
Novemberben Schutz munkáinak kiállítása nyílik a Kortárs Képzőművészeti Galériában, Berlinben, Németországban.
Neo Rauch
Lipcsében a 47 éves német művész, Neo Rauch a hidegháború utáni festők egy nemzedékét befolyásolja egyértelmű festményekkel, amelyek ötvözik a realizmust a fantáziaval, a közönséggel és a bizarrral. Rauch a keleti blokk képregényeinek és a kereskedelmi művészetnek a grafikájára, a kommunista Kelet-Németország szocializmusára, saját álomképére és városi táj elemeire építve Rauch olyan figurákat festeget, amelyeket a propagandaplakátokban találhat, de ezeket beilleszti jelenetek, amelyek, mondása szerint, "megtévesztően valószínűek" - egyszeri ismerős és furcsa.
Rauch festményeit allegóriákként írja le, egy személyes ikonográfia mellett, amely magánkézben marad. Nemrég elmondta a New York-i Metropolitan Museum of Art interjújának, hogy festõként hozott döntései okot - még a sajátját is is - megalapozhatnak. De az, amit egy festménybe belefoglal, megvan a saját valósága, mert "az értelmezés iránti vágy ellenére a festészetnek meg kell őriznie azt a kiváltságot, hogy azt, amit nem verbalizálhatunk egy nyilvánvaló szerkezetbe". Rauch egy festmény készítésének folyamatát úgy írja le, mint küzdelmet az egyensúly megteremtésére, ami felismerhető és mi megmagyarázhatatlan. "Számomra azt mondta:" A festészet egy álom folytatását jelenti más eszközökkel. "
Jelenleg a New York City Metropolitan Art Museum-ban (október 14-ig) megtekinthető Rauch munkájának kiállítása.
Barnaby Furnas
Barnaby Furnas, akárcsak a Columbia University Egyetemi diplomás Dana Schutz, a stúdióját egy átalakított ipari tetőtérbe állította Brooklynban. A 19. század végi francia történelemfestés ihlette festményei ötvözik a figurális elemeket a graffitiból és az absztrakt expresszionizmusból származó technikákkal.
"Mint egy Philadelphiai belvárosi felnőtt tinédzser, először graffiti író voltam" - mondja. "Mindenféle bajba kerültem, letartóztattam, de a művészeti osztályban mindig volt egy lábam." Végül egy barátja apja elvitt néhány New York-i művészeti galériába. "Valójában csak így tudtam volna, hogy a művészet létezik valaha" - mondja.
A 34 éves Furnas laposan festi a vászonját a padlóra, ahogy Jackson Pollock tette. De ahelyett, hogy az à la Pollock olajfestéket csepegtené, vízbázisú festék pocsolyákat készít, amelyeket egymás fölé halmoz, és így formát hoz létre. A polgárháborúról szóló sorozatban piros akrilfestékkel töltött fecskendőt, amelyet a vászonjára zúzott, hogy ábrázolja a vért. "Az olajok soha nem fognak kiszáradni az időben, amíg festékkel dolgozom" - mondja "- sima a földön, a pocsolyákban. Ennek nagy része visszatér a graffiti-ba. Az egyik dolog, ami tetszett a graffiti-hoz, az, hogy szándékosan Anyaggal való visszaélés. Lehet, hogy egy aeroszolból spray-palack kupakokat vesz le, mondjuk például egy munkalapi tisztítószert, és felteheti egy festékszóró kannára, és teljesen más hatást érhet el, mint a fúvóka. Még egy festőállvány vagy kefe is. Van egy hatalmas porlasztó-kupak-gyűjteményem, ahogy gondolom, hogy néhány olajfestőnek kefék vannak. Munkámban valamiféle szándékos szándékú keverék van a hardveráruházban és a művészeti áruházban. "
A Columbia művészeti iskolájában Furnas lázadást tapasztalt egy olyan idősebb tanárgeneráció ellen, akik szerint "fogalmi és posztmodern művészek voltak, szinte semmi festő". A festményt a divatos önkifejezés cselekedetének tekintette. Azt is kívánta, hogy munkája a nézők számára elérhető legyen anélkül, hogy az akadémikusoknak kellene értelmezniük. "Nem akartam, hogy ezek a fekete öltönyös emberek beszéljenek a munkámról" - mondja. "Nem akartam egy közvetítőt." Úgy döntött, hogy "visszatér a modernizmus magjához", azt mondja, "a Courbethez, a Géricaulthoz és a Manethez, a XIX. Század végi francia történelemfestéshez. Képesek voltam a műfaj újbóli vizsgálatára, és másképp jöttem rá. Tehát ilyenfajta modernista áruház-vásárló lettem! "
Furnas munkásságának kiállítását tavasszal tervezik a londoni Stuart Shave / Modern Art galériában.
Katherine Lee
Egy régi hadsereg laktanyájából, amelyet a Santa Fe Főiskola művészeinek stúdiójába készítettek, Katherine Lee, 22 éves korán kíváncsi, hogy vezetékes generációja hogyan fogja nézni a művészetet. "Olyan sok azonnali vizuális üzenetet olvastam manapság - mondja a lány -" mint a reklámok - olvassa el és kapja meg -, és azt akarom, hogy egy festmény hosszabb ideig érdekes legyen, mint egy kereskedelmi szünet. Azt hiszem, félelem van a narratíváról, és a „megszerzés” gondolatából származik. Az emberek annyira hozzászoktak a reklámozáshoz, hogy azt akarják, hogy valaki más előre gondolja azt, amit a festményben látnak. De a reklám olyan jó munkát végez, hogy talán új stratégiát kell találnia. "
Egy rejtélyes, szinte fekete táj távoli fényfoltjával Lee stúdió-falához van rögzítve. A hangulatos légkör és a 19. századi táj mélysége jellemzi, de Lee több fényképből festette, grafit, olajok és kannák permetezőfesték keverékével. A sötét lombozat dzsungelre vagy erdőre utal, és mindegyik közepén vörös esernyőként néz ki. De nincsenek emberek. Nehéz semmit tudni a jelenetről, és éppen ezt akarja. "Az az esernyő az erdőben arra utal, hogy valami folyik" - mondja. "Tetszik az az elképzelés, hogy minden lehetséges tartalomként működik. Tényleg nem gondolkodom azon, hogy mit jelent, amikor elkészítem, mert tudom, hogy ennek saját értelme lesz."
Amikor emberi alakokat festett, mint például egy romantikus pár olaj- és grafitképén, amelyet Untitled Love-nek hív, Lee azt akarja, hogy a festék ugyanúgy érdekelte a nézőt, mint a kép. "Nem pontosan figurális festmény - mondja a nő -, mert nem igazán szól ezekről az emberekről. Amikor elkezdtem a festményt, valójában csak a figura volt, de hamarosan túl laposnak tűnt. Nagyon csalódott és elpusztult. A festmény nagy része, és akkor sokkal jobb volt. Vettem egy ecsetet, és csak erőszakosan elmostam mindent. Ha mindent annyira kivonok, akkor a festmény nyitottá válik, és rengeteg potenciális tartalmat szerez, szemben a saját maga kifejezett magyarázatával. "
Katherine Lee festményeit májusban a Santa Fe Főiskola Képzőművészeti Galériájában megrendezett szakdolgozat-kiállításon tekintik meg.
Elizabeth Neel
32 éves Elizabeth Neel, a Columbia University Egyetemi Művészeti Iskola nemrégiben végzett festője, akinek munkája a kortárs festészet új izgalmát adja, amely ötvözi az absztrakciót és a reprezentációt. Brooklyn stúdiójában a vászonokat nagy, elvont ecsetvonások borítják, amelyek De Kooningra emlékeztetnek, ám ezekbe a figurákba beletartoznak egy olyan festő, mint amilyen Matisse elképzelte. Neel szerint saját érzékenységét a körülötte lévő képek áradása formálja, a reklámtól és a televíziótól kezdve a filmeken, videón és az interneten. "Szinte a születés napjától kezdve a képek fogyasztói vagyunk" - mondja, és azt gondolja, hogy a művészetnek most foglalkoznia kell ezzel a környezettel.
A 20. századi figurális festőművész, Alice Neel unokája, Elizabeth a képek elindítása előtt gyakran szörföz az interneten. Nem vetít fotókat vászonra, hanem vázlatokat készít a használni kívánt képekről. Azt mondja, hogy a festmény pusztán formális szempontjai - például ecsetvonásainak mérete - megváltoztathatják érdeklődését a kép iránt, és új képeket és ötleteket küldhetnek vissza az internetre. "Úgy gondolom, hogy a festészetnek csodálatos kettőssége lehet; önmagáról és a világról is szólhat, " mondja. "És ez egy jó átadása egy festménynek, amikor ez megtörténik."
A brit gyűjteménygyűjtő, Charles Saatchi számos Neel-festményt megvásárolt, és néhányat beilleszti a londoni galériájában folyamatban lévő kiállítás-sorozatába, a "A festmény diadala" -ba. Neel személyes előadást tart a 2008. tavaszi New York-i Deitch Projects projekten. Munkája a Deitch Projects webhelyén látható.
Író és festő, Paul Trachtman Új-Mexikóban él. A dadaistákról szóló cikke a 2006. májusi Smithsonianban jelent meg.
